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roja como los sueños de los negros mirlos.

Algo me salió mal con Picasa y perdí todas las fotografías del blog. Ahora estoy recuperándolas, así que ténganme paciencia.

Xoxo

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lunes, 15 de octubre de 2012

BAD 12: Te power of we

 Es especial que en el día de mi cumpleaños reciba el regalo de poder participar en el Blog Action Day desde 2007, año en que se instituyó. He tenido la oportunidad de referirme a la pobreza, tratar el problema del hambre mundial, reflexionar sobre el uso irracional del agua e instar a que hagan suya la cultura ecológica. Este año, con el lema "The Power of We"  el #BAD 12 abre la invitación a dialogar sobre el poder que como individuos tenemos para a través de los medios de comunicación crear vínculos y obtener el contacto y el soporte para conformar una fuerza a favor de distintas causas, hecho por el cual para mí cobra sentido la democratización de las herramientas que antes eran uso exclusivo de los profesionales de la comunicación. Sin embargo, una triste noticia con la que empezamos la semana pasada me ha hecho silenciar mi discurso y ofrecer un homenaje a Malala Yousufzai, la paquistaní que con sólo 13 años se atrevió a hablar en un blog sobre la situación de la educación de las niñas bajo el régimen talibán de Tehrik. Desde entonces muchos han escuchado su mensaje en favor del derecho a la educación que tienen las mujeres de su país y de otros tantos lugares en donde aún no es justo o igualitario el acceso al conocimiento. Creo que el poder de nosotros se funda en apoyar y/o patrocinar acciones como las de la pequeña Malala.
Vaya con esta entrada mi admiración y mi deseo de que Malala pronto este de pie, tan fuerte como siempre.
Silvia Teresa Flota Reyes, Malala's vision, (A tribute), 15 de octubre de 2012

miércoles, 15 de agosto de 2012

Una medallita de oro entre balas y la derrota democrática

Estos días ya no sé ni qué decir, por eso me apropio de palabras de Saramago y las hago guindas de mi cesta:
Creo que todos nosotros debemos repensar lo que estamos haciendo. Bien está que nos divirtamos, que vayamos a la playa, a la fiesta, al fútbol, que esta vida son dos días, y quién venga detrás que cierre la puerta. Pero si no nos decidimos a mirar el mundo gravemente, con ojos severos y evaluadores, lo más seguro es que nos quede un día solo por vivir, lo más cierto es que dejaremos la puerta abierta a un vacío infinito de muerte, oscuridad y fracaso. 
“Cada vez más solos”, de De este mundo y del otro, Editorial Ronsel, 1997, p. 186
Véase también: Otros cuadernos de Saramago

jueves, 9 de agosto de 2012

Seven Things Award


Esta mañana El Asfalto Golpeando la Lluvia me despertó con la noticia de que me había nominado para el Seven things award, algo que le agradezco con todo corazón, pues ahora que cumplo cinco años como bloguer esto me da el ánimo suficiente para seguir. Siempre he pensado que si puedo compartir con alguien los pensamientos que pasan por mi cabezota o las cosas que me sorprenden o maravillan a través de estas botellas al mar que son las entradas de blog, entonces vale la pena seguir invirtiendo tiempo, aunque, a veces, como hoy, tenga que robar minutos al trabajo urgente.

La nominación tiene una consigna -la cual es muy valiosa para estrechar lazos entre lectores y miembros de la comunidad bloguera- y está constituida por 3 puntos; una vez recibida la nominación se deberá:
1. Dar las gracias al bloguer que hizo la nominación
2. Compartir siete cosas sobre uno mismo
3. Nominar a otros siete blogueros y anunciar en sus blogs la respectiva nominación.

-Las gracias las reitero a MirroredSeaMist (Eternal King, vid. El Asfalto Golpeando la Lluvia).
-Comparto siete facts sobre mi persona:
1. Tengo un pelín de autismo
2. Tener un pelín de autismo me dio ciertas cualidades para pintar, leer y escribir en medio de un mundo convulsionado.
3. Vivir en un mundo convulsionado me trae a mi vida los silencios y las exclamaciones de los otros.
4. Lo que dicen y lo que dejan de decir mis congéneres se vuelve mi alimento.
5. Creo que uno es lo que come, así que hago dieta mental y restrinjo el alimento a aquel proporcionado por las ideas de la gente creativa.
6. Existo gracias a la gente creativa y le rindo honor a ella.
7.Rindo honor porque soy agradecida; por otro lado, soy perversa con la gente destructiva.
-Publico la lista de nominados (se enlaza al sitio dando clic en el nombre)

Sé que me quedo corta con las nominaciones, pues hay tantos y tantos blogs que merecen mención, aunque hace tiempo que no escriben, como The Fujur Times, y Letras y recetas. Ya el año pasado elaboré una lista más amplia en donde pude agradecer a todos esos bloguers que han dado alimento a mi vida. Gracias a todos por compartir su conocimiento o sus pasiones. 

domingo, 5 de agosto de 2012

Pluma en mano tras las cámaras: Vida, un poema de Norma Jeane Mortenson (Baker)

GOOD night
Sleep tight
and sweet repose.
Where ever you lay your head –
I hope you find your nose.
Marilyn Monroe (Norma Jeane) 


No recuerdo cuando conocí a Marilyn Monroe, pero sé que antes de ver una película suya ya la conocía: su imagen de rubia sexy que a mí, una niña, me parecía empática con los voluntariosos revuelos de la gente pequeña; su voz diminuta como los pasos de puntillas, y la necesidad de ser amada por ti entre un tarareo pícaro. Sin embargo, a Norma Jeane Mortenson la conocí mucho más tarde, en mi manía de ver signos en la mirada de la rubia aparentemente tonta y encontrar una tristeza indeleble en su pestañeo. 
Yo nací en el tiempo en que la Monroe era el icono respaldado por su muerte, yo no la conocí actuando aún con vida, tal vez por eso me fue más fácil encontrar a Norma Jeane. 
A 50 años de la muerte de una chica californiana que fue devorada por una estrella que la pilló con las manos en el suelo del paseo de la fama de Hollywood, quisiera recordarla con lo que recuperé de su vida, sí, con Vida, el poema que escribió para reflejarse así, contradictoria.
Fotografía de Michael Orchs, 1955

Vida

Soy como tú contradictoria
más viva con la escarcha
resistente como una tela de araña al viento
colgando boca abajo casi siempre
aguantando de alguna manera
esos rayos condensados reflejan los colores
que he visto en los cuadros
ay vida
cómo te han engañado

más delgada que un hilo de una tela de araña
más pura que ninguna

pero se sostuvo a sí misma
se agarró con fuerza durante el vendaval
se quemó en las crepitantes llamas

vida
algunas veces
soy contradictoria como tú

de alguna manera aguanto colgando boca abajo la mayor parte del tiempo
mientras tus fuerzas contradictorias tironean de mí.

Traducción: Jesús Aguado


Si ustedes comparten mi obsesión, les recomiendo el libro Marilyn Monroe. Fragmentos editado por Seix Barral en 2010 y prologado ni nada más ni nada menos que por Antonio Tabucchi, si viven en México lo pueden conseguir en una librería cuyo nombre empieza con G por el precio de dos Sor Juanas. También les invito a consultar los siguientes enlaces:

http://www.biography.com/people/marilyn-monroe-9412123

http://www.leninimports.com/marilyn_monroe_gallery.html

http://www.confinesdigital.com/conf33/marilyn-poeta.html

http://elpais.com/diario/2010/10/03/eps/1286087214_850215.html

http://elpais.com/diario/2010/09/30/cultura/1285797601_850215.html

miércoles, 25 de julio de 2012

LA ENCARNACIÓN DE LA ESCRITURA; ENTRE EL ORGULLO Y LA VERGÜENZA: Relatos a flor de piel

Reproduzco un artículo mío que fue publicado hace más de dos años en la revista ParteAguas.


Llevo mi orgullo sobre mi piel,
Mi orgullo siempre ha sido parte de ella
Llevo mi fortaleza en mi rostro
Proviene de otro tiempo y lugar
Te apuesto que no sabes que cada línea
Tiene un mensaje par mí
¿Sabías esto?

Moana Maniapoto*, Moko


Marcar la piel en vez de tan sólo el aire, inscribir un acto en vitela sagrada y no sólo enunciarlo y, manteniendo la memoria, sellar el alma (tapu) para protegerse de los males conocidos, eso es, según los polinesios, tatawo; no escarificación violenta, como gran parte de la civilización occidental ha creído. Y empiezo haciendo esta diferencia, ya que será esencial para ayudar a los lectores interesados a esclarecer si lo que los vecinos, la pareja o ellos mismo llevan o quieren llevar en su dermis es el testimonio de una experiencia que ha elegido relatar o la mostración impuesta de una afrenta.
Noemí Hourquebie, en un interesante estudio, nos dice que un tatuaje es un diseño “que siempre conlleva un relato (experiencia, deseo, pérdida, conflicto)”, por lo tanto llega a ser “el lenguaje complementario que facilita el acceso comprensivo al mundo real e imaginario del individuo”[i], sin embargo cuando roza los tópicos de la pérdida o el conflicto, la estudiosa no distingue entre la marca en la piel que se propone narrar una vivencia y aquella otra que es un rastro de pena infamante. La diferencia debe hacerse, pues es radical; si un tatuaje se presenta como una herida siempre molesta y sensible al tacto, la cual, además, esteriotipa a un sujeto, y en determinados contextos se prefiere ocultarla, entonces será mejor llamarle estigma; en cambio, si éste representa la cauterización de la vivencia por medio del impulso narrativo, merece ser llamado tatawo. En el relato del tatawo la experiencia adversa no degrada a quienes la han experimentado, sino que los dota de conocimiento cuando ejercitan la reflexión propia de la ilación de los hechos.
Una leyenda maorí nos guía hasta los orígenes del tatuaje tribal, ésta nos relata el conflicto amoroso entre Mataora y Niwareka. Mataora, cuyo nombre significa osado, desposó a Niwareka, pero, al poco tiempo, por celos, la golpeó. En verdad, el hermano mayor de Mataora, Tautoru, estaba apasionado por Niwareka, sin embargo, la joven no correspondía a tal sentimiento y permanecía fiel a su marido, de tal manera que se sintió muy ofendida por el maltrato que él le dio. Así, Niwareka huyó al inframundo, el lugar en el que habitaba su padre Ue-Tonga. Mataora al percatarse de que Niwareka lo había abandonado decide descender hasta los dominios del gran Ue-Tonga, en el trayecto pasa por una serie de ordalías y cuando por fin logra llegar hasta la morada de Ue-Tonga, el joven se presenta visiblemente cansado; está todo sucio y en su cuerpo se deja ver el rastro de la lucha persistente que ha sostenido con el objetivo de recobrar el amor de Niwareka.
Ue-Tonga escudriña los patrones dibujados que lleva Mataora en su piel, de ello deduce que es un visitante del mundo terrenal y se mofa de sus marcas, luego le advierte que si quiere deambular por sus dominios tendrá que hacerse un mejor tatawo, es decir, el llamado moko el cual es gravado en el rostro, la parte más sagrada del cuerpo. Mataora siente miedo pues el moko se marca con un afilado hueso de pájaro, previamente empapado de una tintura de hollín, que se usa como formón, haciendo incisiones profundas hasta penetrar bien la dermis. Cobrando conciencia de que sólo así podrá permanecer en el inframundo hasta encontrar a su amada, se deja hacer el moko. Para calmar el dolor Mataora canta su amor e invoca una y otra vez a Niwareka. Uekura, hermana mayor de Niwareka, lo escucha y corre a decirle a su hermana que un apuesto hombre no cesa de cantarle. Niwareka, quien se entretenía bordando una capa para su padre siente curiosidad, así que deja su labor y va a ver a Ue-Tonga para que le presente al valiente joven que se ha dejado marcar con el Moko, aun con el rostro intrincadamente dibujado, Niwareka logra reconocer a Mataora y lo perdona, Ue-Tonga le concede el derecho de volver a tomar a Niwareka como esposa, y muy a su pesar les permite regresar al mundo terrenal, pero le hace prometer a Mataora que llevará con dignidad su moko y que, además, le enseñará a su gente a leerlo, en él se ha escrito una lección que nos instruye acerca de la templanza. La experiencia de Mataora le ha revelado como controlar la violencia y el mal temperamento propio de los habitantes de nuestro mundo; su ta moko le fue grabado no como castigo por el maltrato dado a Niwareka, sino para que sea recuento y reflexión de sus acciones, a fin de cuentas, el conflicto de estos amantes da lugar a un viaje iniciático que debe inscribirse en la piel, igualmente Niwareka compartirá su vivencia con la gente de la tribu a través del ta moko grabado en su labio inferior y barbilla[ii].

A partir de esta leyenda, se le da sentido al tatawo; aquel que quiera llevar un tatawo debe tener un motivo personal para hacerlo y, sobre todo, “tiene que sentirlo en el alma”. En el contexto actual, un hombre revela la importancia del ta moko en su cultura cuando dice, “Mi Moko es mi libro para mi generación, ella lo lee para no olvidar sus raíces”,[iii] Para los maoríes la historia se escribe con la conjunción de microhistorias que se signan en los rostros de su gente.
El moko ciertamente, le da a la piel el papel de archivo, pues “es una forma de conservar la memoria” ya que ofrece “la posibilidad de volver al estado de conciencia de hechos y actos transcurridos en el pasado”[iv]. Sin embargo, el catálogo de elementos semióticos que utiliza esta relatoría de la piel puede ser resignificado por cualquier sujeto que viva una realidad distinta, como ejemplo, sólo hay que preguntarse ¿Cómo leyeron esos libros-rostros la flota del capitán James Cook; y cómo los leyeron los misioneros que llegaron a las islas polinesias hacia 1797? Pero, complicando esto todavía más, tenemos que aun cuando se pertenezca a la misma cultura una brecha temporal puede producir la resignificación. Así, en la época colonial los maoríes sobreponen al relato del moko el valor de estandarte emancipador.
El sentido del relato de un tatawo puede perderse igual que la de cualquier otro relato. La búsqueda del sentido prístino puede ser obstruida por consideraciones de diferente orden ideológico —religiosas, étnicas, estéticas.
No obstante, sea cual sea el significado de un tatawo, es innegable que el elemento de fondo que prevalece es su artisticidad. La antropóloga Margaret Orbell en su estudio “El arte maorí del moko” evidencia esto cuando dice que llevar dicho tatawo tribal es como “tener tu nombre grabado en el rostro con hermosa letra”[v]. Desgraciadamente, también la comprensión de su artisticidad puede reducirse a una sola cosa; en el arte del tatawo el relato y su poética implícita se pierden, y es el mero ornato lo que se aprecia de él.
“La significación primitiva de los tatuajes se puede apenas adivinar: diferentes interpretaciones tiene curso, pero la coquetería cuenta por una gran parte”[vi].

La letra con sangre entra
           
Llevabas un tatuaje en la barriga
con la frase siguiente: “la verdad
es inútil.” De noche y con dos copas
de más, todo tatuaje tiene morbo,
y éste además, tenía mucha miga.
Besé con avidez el aforismo,
y las letras se fueron diluyendo
en mi boca despacio, dulcemente
como perlas disueltas en champán.

Luis Alberto de Cuenca, “Tatuaje”. **


En el occidente, la capacidad relatora del tatawo se pierde, aparece entonces, en una primera etapa, el “tatuaje estigma”, el cual informa sobre que tan bajo es el círculo social al que pertenece la persona que lo muestra, sin pretender ir más allá para penetrar en su cultura. Ya en la sociedad actual, el tatuaje ha cobrado un nuevo valor, por lo que deja de ser privativo de marineros, criminales o de otro grupo marginal.
La coquetería que menciona Natal de Cleene es el factor predominante. De la misma manera en que se usan las joyas o el maquillaje, se usa el tatuaje. Por otro lado, cualquier parte del cuerpo puede ser tatuada, ello conlleva al fetichismo, ya que ciertas zonas de nuestra anatomía ofrecen una oportunidad para avivar el deseo. No es raro que en esta época una adolescente de buena familia quiera hacerse un tatuaje en la barriga.
Es indiscutible, también, siguiendo la idea de Kaj Bircket-Smith, que el exotismo que emana del arte del tatuaje nos lleve a establecer relaciones erróneas de interdependencia entre lo que representa éste y lo que representa una cualidad o potencia que tratamos de alcanzar[vii], este equívoco nos remite a espacios mágicos, espacios que la mente configura tras asociaciones mistificadas. Para algunos sujetos el tatuador es un chamán que puede dotar a alguien de una capacidad o fuerza al marcarle la piel y en él, en muchos casos, se deposita la confianza de la elección del diseño.
De acuerdo con Ferrer Cajigal y Pallís, los tatuajes occidentales se pueden clasificar en Jeroglíficos, inscripciones y leyendas, eróticos, religiosos, de profesiones, fantásticos, conmemorativos y humorísticos[viii]. Aunque la mayoría de ellos son icónicos, en las siguientes líneas pondré atención en aquellos que dejan la letra en la dermis, porque la letra con sangre entra.
En un mundo en el que los mensajes se pueden transmitir instantáneamente por medio de correo electrónico, Messenger o celular, puede resultar increíble que alguien escriba uno en vitela, como en los tiempos más antiguos, pero así sucede; tal vez no sea piel de ternera, pero es tan buena como ésta, la piel humana.
El mensaje tatuado es una declaración que se sostiene hasta la muerte, de allí su valor. ¿Qué tan claro quieres que quede tu mensaje? puedes hacerlo muy directo, sugerente o críptico. Si quieres que alguien pose su mirada en tu piel durante horas tratando de descifrar lo que intentas decirle, te aconsejo que uses una escritura como la WAU (World Unity Alphabet), si lo quieres religioso, hay siempre uno que se ciñe a tu fe; ¿eres católico? te diré que el capítulo 3, versículo 1 del libro de los proverbios se ha puesto de moda, David Beckham se lo tatuó, pero si lo que quieres es despertar fantasías eróticas escribe un mensaje que, como dice Cuenca, tenga miga.
¿Quieres un mensaje que además luzca estético? Cuida de elegir bien el tipo de letra. El mahometanismo tiene una máxima: “la caligrafía bella hace más clara la verdad”, no obstante, por muy bella que sea la caligrafía puede resultarnos oscura por ajena.
Se ha puesto de moda tatuar nombres o refranes en chino, japonés o árabe debido a la calidad estética de su caligrafía.


La escritura china tiene un origen esencialmente pictográfico, poco a poco se vuelve más compleja y se construye con base en ideogramas, sólo mucho después la escritura china desarrolla fonogramas, sin embargo muchos de ellos se sostienen en ideogramas que a su vez se sostienen en pictogramas. Para los chinos el dibujo y la escritura tienen un mismo origen que es divino y milagroso por tal motivo un fonograma se traza con el mismo cuidado con el que se traza un pictograma.
Los caracteres japoneses del silabario llamado hiragana, surgido en el siglo X, igualmente poseen un cariz artístico; con ellos se empezaron a escribir poemas cortos cuyo tema era la naturaleza, los wakas, con unos cuantos trazos de pincel. De hecho la calidad de la caligrafía del hiragana inspiró la práctica de un dibujo sintético llamado hakubyo o dibujo en blanco.
El alifato árabe tiene una larga tradición en cuanto al perfeccionamiento del ejercicio caligráfico. En su periodo clásico se formuló un tratado de caligrafía basado en diez normas en las que la precisión, la armonía, la elegancia y luminosidad eran los conceptos que les daban fundamento. Con el imperio otomano se comienza la renovación de dicha caligrafía, es la época del Nahda o renacimiento cultural, los turcos se distinguen por su habilidad y en el gremio de estos calígrafos se distingue aquél que también es bueno creando caligramas.[ix]
Estas caligrafías seducen, pero ¡cuidado! Hay que asegurarse de saber bien qué es lo que el tatuador pretende escribir, no sea que no coincida con lo que uno quiere expresar, pongo por ejemplo el caso de una chica que se tatuó el nombre del novio en el vientre, lo que le costó un dineral y todo para que pasados unos años, en un restaurante chino, le revelaran que lo que su tatuaje decía era “supermercado”[x]. Lo más curioso es que ella no abrió querella contra el tatuador ni se le ocurrió someterse al también caro y doloroso proceso de eliminación del tatuaje ¿Encontraría cierta relación —aunque fuera errónea— entre su novio y el supermercado? Debe ser que ambos la surten de una despensa básica.
Después de esto queda la advertencia: aquél que desee marcarse la piel, debe ser capaz de elegir su propia marca, para que pueda ostentar un tatawo que refleje su ser y su vivencia, de lo contrario se expone a llevar hasta su muerte un motivo de escarnio.



i]Noemí Hurquebie, “Archivo de una historia inscripta en el cuerpo: el tatuaje como expresión narrativa” en Narrativa: identidades y memoria, María Inés Palleiro (comp.), Buenos Aires, Dunken, 2005, pp. 201-214.
[ii] Vid. S.P. Smith, “Te Kauwae-runga. Memories of the Polynesian Society” en The Lore of the Whare-wananga; or Teachings of the Maori Collage, Nueva Plymouth, Polynesian Society, 1913.
[iii] Hans Neleman, Nicole MacDonald, Pita Turei, Moko-Maori tatoo, p.28 cit.pos. Sarah K.J. Gallagher en “A Curious Document; ta Moko as Evidence of Pre-European Textual Culture in New Zealand” Bsanz Bulletin, vol.27 núms. 3 y 4, 2003, p.42
[iv] Noemí Hurquebie, op. cit., p.202
[v] Margaret Orbell “The maori art of moko”, Te Ao Hou, núm 43, junio 1963, p.32
[vi] Natal de Cleene , Introduction a l’Ethnographie congolaise, cit.pos. Jesús García Pérez-Bances, “Dimensión semiótica del tatuaje” en Estudios ofrecidos a Emilio Alarcos Llorach, Oviedo, Universidad de Oviedo, 1979, p.566
[vii] Kaj Bircket-Smith, Historia de la Civilisation p.215, cit pos Jesús García Pérez-Bances, id.
[viii] Vid. María Rosa Carles Pastor, Yolanda Javierre Pérez, Ma. Mercedes Sabartés Ruescas, “El tatuaje” en Arte efimero y espacio estético, José Fernández Arenas (coord.), Barcelona, Anthropos, 1988, p.241 (Colección palabra plástica).
[ix] Vid. José Miguel Puerta Vilchez, La aventura del cálamo, historias formas y artistas de la caligrafía árbe, Granada, Edlux, 2007.
[x] Vid. http://www.cuerpoyarte.com/2008-09-28/3995/un-tatuaje-en-chino-mas-un-error-mas/


* Moana Maniapoto es una cantante de Nueva Zelanda. Su carrera se inicia en 1996, la líneas citadas pertenecen a la canción “Moko”  la cual forma parte de la grabación titulada RUA  registrada por Tangata Records, NZ en 1998. Si quieres escuchar su música puedes seguir el siguiente enlace: http://www.moananz.com/music.html
**Luis Alberto Cuenca nació en Madrid en 1950. Además de poeta, es ensayista y traductor.  Ha obtenido algunos premios como «La caja de plata» en el terreno de la crítica y el  Nacional de Traducción
Imágenes:
Darcy Nicholas, La gente de la tierra, acrílico sobre papel, 92.5x 72.5cm, 1977, tomada de:
Robyn Kahukiwa,  Ko te Hongi, serigrafía sobre papel hecho a mano,  45 x 60cm, 2003, tomada de:
Caligramas árabes, autoría anónima, tomados de: http://araboislamica.blogspot.com/2008/09/caligramas-y-caligrafa-rabe.html

sábado, 14 de julio de 2012

150 años del natalicio de Gustav Klimt


Hoy se celebra el 150 aniversario del natalicio del gran pintor austriaco Gustav Klimt —uno de mis favoritos de todos los tiempos— y para conmemorar este hecho, hasta octubre, del 3 al 21, durante el Festival Internacional Cervantino, el Museo Ex-convento Dieguino presentará una exposición auspiciada por el Ministerio Federal de Asuntos Europeos e Internacionales de Austria. El guion curatorial es de carácter documental, por tanto no se presentará una colección de sus pinturas sino que a través de 15 paneles veremos fotografías del artista y de quienes, junto con él, conformaron el Círculo de Viena, así como algunos facsimilares de sus obras más importantes cuya creación será contextualizada.


Egon Schiele, Gustav Klimt en azul 

Cabe recordar que hasta ahora no se ha expuesto trabajo original de este artista en nuestro país; en 2005, de febrero a abril, el MUNAL expuso Gustav Klimt (1862-1918) y Egon Schiele(1890-1918). Acuarelas y dibujos en impresiones facsímiles del Museo Albertina, muestra con la que se pudo admirar 80 facsimilares de las piezas de estos dos genios que son de las más solicitadas por los museos del mundo.

Egon Schiele, Dos eremitas (autorretrato acompañado de Gustav Klimt)

Mientras llega el día de ver por estas tierras el homenaje a Klimt, les recomiendo que se acerquen a la página del Leopold Museum que por estas fechas exhibe Klimt: Up Close And Personal (Pinturas, cartas y comentarios): http://www.leopoldmuseum.org/en/exhibitions/43/klimt-up-close-and-personal y además presentó algunas fotografías y obras del artista que quizá sean exhibidas.
Gustav Klimt (1862-1918) Muere por complicaciones causadas por la mal llamada "gripe española". 
Klimt con su gato luciendo hábito de monje, retrato tomado hacia 1912, cuando contaba con cincuenta años. Parece que el traje monacal lo empezó a usar como burla a partir de que la sociedad lo empezó a tachar de obsceno.
Klimt con su amante, Emilie Fölge; diseñadora de moda junto con su hermana Helen, quien estaba casada con el hermano del artista.
Esta es una hermosa foto en la que se le ve al pintor tomando una siesta en compañía de su pequeña sobrina de cinco años, Gertrude, hija de Helen Fölge, durante la pascua de 1912 en la villa Paulich.
La crema y nata de la Viena finisecular (1898).
La Viena en la que nació Klimt
La Viena de la Secesión

El cuento, aguada y tiza negra con realces en blanco, realizada en 1884 y cuyo exotismo recuerda la obra de  Jean Auguste Dominique Ingres.
La muerte de Julieta, lápiz negro con retoques en blanco que data de 1886
Retrato de niño, dibujo fechado también en 1886; trabajo que, junto con el anterior, me recuerda el trazo sutil del prerrafelista Dante Gabriel Rossetti (eg. retrato de Jane Burden).
Siguiendo con la fascinación orientalista podemos apreciar este fragmento del mural al óleo llamado Arte egipcio I (joven con Horus), pintado entre 1890-1891. Desde 1882 formó con su hermano Ernst y Franz Matsch la "Compañía de pintores" (Maler-Compagnie) y durante diez años asumió con ella la elaboración de murales y telones de teatros pequeños de su región.
Las Gorgonas, fragmento del friso de Beethoven, destinado a celebrar al  último gran representante del clasicismo durante la XIV exposición de la Secesión de Viena (1902).

Judith I , óleo creado en 1901, es la primera conceptuación de un tema muy representado pictóricamente; podemos observar el rostro extasiado de la heroína que libra a su pueblo del yugo Holofernes. Es de notar también cómo sostiene con suavidad la cabeza del tirano.
Las tres edades, obra realizada en 1905, a través de la cual Klimt hace patente una de sus preocupaciones constantes: la decadencia que conlleva a la mortalidad.
Dánae, una pieza de arte concebida en 1907 en la que el autor muestra el candor de la mujer a la vez que nos permite admirar el florecimiento sexual de ésta.
El beso, quizá la obra más famosa del pintor austriaco, llevada a cabo dentro de su período "dorado", entre 1907 y 1908. En ella vemos una pareja arrobada sobre un islote de flores, lejos del mundo terrenal, rodeados por un halo áureo para connotar la espiritualidad de su amor.
Igualmente, de su período dorado es el retrato de Adele Bloch-Bauer, esposa del rico industrial Ferdinand Bloch. El matiz de oro que impregna la obra de Klimt de esa época tiene un significado antitético; por un lado indica un valor divino, espiritual, como en el beso; por otro, remarca el culto al materialismo que profesa la humanidad.
Judith II (Salomé) de 1909. El aura que envuelve a la primera representación de Judith se disipa; estamos, otra vez, ante un juego de opuestos: la mujer se desenmascara y muestra motivos poco honrosos y personales para llevar a cabo el crimen, vemos entonces el rostro lascivo de Salomé que sostiene con unas manos crispadas, como garras, la cabeza no de un tirano, sino de un santo.
Realización, diseño para el friso del comedor del Palacio Stoclet efectuado en 1909. Su mensaje es del mismo tenor que el de El beso.
Desnudo tendido, dibujo a lápiz hacia 1912
De la misma época es este otro a lápiz negro y sepia con luces en blanco, titulado Desnudo reclinado sobre su vientre. En ambos, si bien se aprecia el influjo del dibujo erótico de Auguste Rodin, el artista vienés ya a logrado configurar un lenguaje muy propio.
Virginidad, obra del último periodo (1913) que, sin embargo, se conecta compositivamente con obras más tempranas, como Filosofía y Medicina y en general con las relativas al ser humano, en el sentido en que crea un entramado entre las figuras humanas retratadas.
Retrato de una dama, óleo sobre tela pintado entre 1917 y 1918


jueves, 21 de junio de 2012

Edie Sedgwick:De la Factory al inframundo

¿Quieres escuchar algo que escribí sobre el horror de la velocidad? Bueno, tal vez no, sólo los casi incomunicables tormentos de la velocidad, buzzerama; de esa acrílica excitación, horrorosa, con ecos tiroleses y repetitivos de una infinidad tan brutalmente desgarradora que las palabras no pueden capturar tal devastación ni el tono de una pesadilla viciosa. Sí, incluso estoy volviéndome paranoica, lo que es un viaje para mí. Realmente no lo comprendo, pero allí está.
  Edie Sedgwick
Silvia Teresa Flota Reyes, "La Dama y la Muerte" collage digital

La exposición De la Factory al mundo que se presenta hasta el 22 de julio como parte del festival de PHotoEspaña me dio pie para confeccionar esta entrada. La comisaria de la muestra, Catherine Zuromskis, nos presenta una interesante curaduría documental a través de archivos fotográficos de grandes lentes (Richard Avedon, Cecil Beaton, Christopher Makos, Billy Name, Nat Finkelstein, Stephen Shore, así como Brigid Berlin, y el propio Warhol) para mostrar el lado brillante de The Factory, es decir el lado productivo de la vida bohemia que se llevaba a cabo en el espacio warholiano.

No debemos dudar que a Andy debemos la consumación del anhelo dada: “la desacralización del arte” y, mediante sus métodos, la proliferación y vindicación del arte múltiple, un arte democrático, crítico, terrenal y con el plus de lo lúdico, sin embargo, oscura como soy, quiero dar vuelta a the sunny side de la primera factoría y recordar el Subterranean Homesick Blues que por ahí se cantó. Podría hablar de Nico, de Lou, de Candy Darling y, desde la acera de enfrente (the wilde side), de Valerie Solanas, pero para muestra del infiernito basta sólo un botón y ese botón es Edie Sedgwick, la chica que aparece usando el único teléfono de la Fábrica en la ya icónica fotografía atribuida a Stephen Shore.
Edie nació en Santa Bárbara, California en el seno de una familia adinerada. Luego de recibir su educación básica y media de forma privada —en una escuela que construyó su padre en el propio rancho familiar—, en 1964, marchó a Cambridge, ahí entabló convivencia con el pomposo grupo de Harvard, universidad de la que se había graduado Chuck Wein, el joven que acordó ser su representante y la llevó a Manhattan; él fue, de hecho, el que logró presentarla a Warhol durante una fiesta en el apartamento del productor Lester Persky en enero de 1965; el mismo enero en que Lou Reed y John Cale formaron The Warlocks (más tarde llamados Falling Spikes, el proto Velvet Underground).
Atraído por la personalidad vibrante de esa chica que desde hacía unos cuantos meses aparecía reiteradamente en revistas de moda y de la vida social, el dios del arte pop accedió hacerle uno de sus screen test. ¡Qué creen! No sólo la modesta cámara de filmación la adoró, también la máquina de fotomatón; Edie hizo lo que quiso con estos artilugios y los artilugios hicieron lo que quisieron con ella… y Andy, ¡qué les digo de Andy!
Edie comienza a experimentar la vida bohemia de la Fabrica en marzo de ese año, pasando inmediatamente a formar parte del círculo cercano de Warhol, lo que hace posible su modesta participación en la cinta Horse, cuyo guión escénico fue creado por Ronald Tavel, compartiendo set con Larry Latreille, Gregory Battcock, Daniel Cassidy, Jr. y un silencioso Warhol. Un mes después, Sedgwick y Wein acompañaron al artista a París para estar presentes en la inauguración de su exposición individual en la galería de Ileana Sonnabend, Flowers. A su retorno, Warhol le da instrucciones a Tavel para que convierta a Edie en la reina de The Silver Factory. A su regreso, Edie trabajo en Vinyl —primera adaptación de A Clockwork Orange (Naranja Mecánica) de Anthony Burgess— En cosa de medio año la chica hizo nada menos que 11 películas, pero antes de realizar Chelsea Girls, su filme final con el staff de la Fabrica, las cosas entre Warhol y ella se habían tornado tensas; durante el rodaje de su penúltima cinta, Lupe —acerca de Lupe Vélez—, esto ya era evidente. A Edie le quedaron la ganas de realiza una cita con el ingenio de Warhol, le dijo a la vida:
Amo a Alice in Wonderland, creo que es algo que podría hacerlo muy bien. ¿No crees que deberíamos hacer un A.W.? ¿A.W. 's Alice in Wonderland? Andy Warhol Alice in Wonderland? A.W. es sinónimo de muchas cosas.
Cuentan las malas lenguas que las relaciones se pusieron ríspidas a partir de que Edie comenzó a deambular entre la séptima y octava avenidas en donde frecuentaba a personalidades acuarteladas en el Chelsea Hotel. Se dice que Albert Grossman —manager de Bob Dylan de 1962 a 1970— le ofreció un contrato para filmar a lado de la figura del folk —realmente hay una copia de un papelito con rúbricas por ahí circulando—, era un secreto a voces que varios productores querían que Dylan protagonizara una película. También se dice que Dylan le dijo a Edie que tenía que alejarse de Warhol porque ser parte de su gente atraía mala publicidad, pero esto sólo queda registrado a manera de chismógrafo.
Lo cierto es que a Dylan le agradaba Edie y creía que la vida en La Fábrica no era buena para ella. Para ese entonces ya estaba muy intoxicada y era adicta a la metedrina inyectable, droga que produce gran energía y exaltación, pero también insomnio y en algunos casos, como el de ella, profunda depresión si se deja de suministrar, la cuestión era que esta porquería se consumía como chicles entre el círculo de Warhol, aunque él siempre se zafó de cualquier asunto que lo ligara a la adicción de sus cuates.
Cada vez que tuvo oportunidad, Warhol expresó que en el caso particular de Edie, su adicción se había generado en los consultorios psiquiátricos en los que los discípulos de Albert Hofmann volvían adictas por prescripción médica a las pobres niñas ricas. También, es conocido el historial de padecimientos psiquiátricos que la familia Sedgwick sufrió por generaciones. En la página Warholstars.org encontrarán detalles de esto: su tatara tatara abuela, Pamela Dwight, en edad mediana, perdió toda la cordura; su padre, Francis Sedgwick, estuvo internado en el Centro Austen Riggs en donde se le diagnosticó manía depresiva severa, lo cual no es tan grave a comparación de lo que otras fuentes sugieren, es decir, que practicó la pederastia con su propia hija, (espero que no sea verdad); sus hermanos, Bobby y Minty también fueron recluidos varias veces en instituciones psiquiátricas, ambos murieron a temprana edad: Bobby a los 32 años, en enero de 1965, tras el trauma sufrido por estrellar su motocicleta contra un autobús; Minty fue encontrado ahorcado en un cuarto del hospital Silver Hill un día antes de su cumpleaños 26, era homosexual y alcohólico; su padre lo despreciaba por ello. Por su parte, Edie fue internada igualmente en Silver Hill en 1962 por padecer anorexia, al llegar a pesar 40 kilos (era una joven alta) fue transferida al centro Bloomingdale, lugar en el que además se le practicó un aborto.
No obstante sus antecedentes, digamos que la plateada fábrica de Warhol no era el lugar mas propio para que Edie cohabitara y llevara una vida más sana, ahí, del mismo modo, se consumía en grandes dosis obetrol, un tipo de anfetamina usado para combatir la obesidad mórbida (y creo que en el círculo de Andy no había alguien en tal situación). No quiero imputar culpas, pero creo que de cualquier forma no se debe alentar o simplemente dejar que alguien emocionalmente inestable se ponga a hacer actos de funambulismo ¿no? ¿Dónde está el sentimiento de empatía, la afabilidad que nos permita darnos cuenta y hacer algo cuando una persona se derrumba? Cuando ya no hay nada por hacer, entonces sólo decimos pobre fulanita o pobre sutanito, derramamos una lagrimita y, como la ocasión lo amerita, estrenamos un traje negro.
En 2006 se estrenó el filme Factory Girl (Fábrica de sueños), basado en el libro de Nat Finkelstein y David Dalton, después de una batalla legal interpuesta por Bob Dylan, quien creyó que con esa cinta se le laceraba moralmente; he tenido la oportunidad de verla varias veces (la tengo en DVD) y no me parece que Dylan salga mal librado de ella, yo creería que al que se le hace pasar derramando mala leche es a Warhol. Esta cinta termina haciendo sólo conjeturas como todos los que nos interesamos por la vida de la Sedgwick al hilvanar los comentarios de la gente que vivió junto a ella esos locos años de la segunda mitad de los sesenta; el libro no lo he leído, pero parece que la fotografía es lo que en verdad vale la pena de él .
Sabemos cosas de oídas —de aventis, diría Juan Marsé—; que si Warhol le enterró el puntillazo a la chica un día a principios de 1966 en el restaurante Ginger Man cuando, por despecho, le dijo: ¿Sabías Edie, que Bob Dylan se casó?; o que si las clásicas canciones del Blonde on Blonde “Just like a woman” y "Leopard-Skin Pill-Box Hat" las escribió Dylan inspirado por la figura de Edie. Lo que muchos creemos es que Dylan en verdad pensaba que Edie no podía ser bendecida sino hasta que ella viera que era como todos los demás. Con su niebla, sus afetaminas y sus perlas, creía aguantar como una mujer, y sufrir como una mujer, pero se derrumbó como una niñita.
Silvia Teresa Flota Reyes, "Detrás de Elvis (El duelo Dylan-Warhol) obra digital

Dicen que Edie no regresó a la Fabrica después del incidente en el Ginger Man, simplemente ese día fue a hacer una llamada telefónica, Gerard Malanga cree que llamó a Dylan y recuerda que cuando dejó el lugar el ambiente se torno dramático. Más adelante se comunicaría con Warhol para pedirle que borrara las escenas de ella de todas las películas en las que había participado; Warhol, atendiendo en la medida de lo posible la petición de Edie, reeditó The chelsea Girls remplazando su rostro por el de Nico y usando unos efectos de destellos de colores.
Así se dio el ascenso y caída en tan sólo un año de la niña que actuaba como mujer -Warhol no fue tan malo, le alargó sus 15 minutos de fama, llevándola mas allá del screen test- y del delirio que produce la velocidad, “buzzerama”, lo llamaría ella.
En el documental sobre Edie Ciao! Manhattan, producido por Robert Margouleff, ella asegura que: "en realidad Warhol jodió la vida de muchísima gente, gente joven" y también dice que sus contactos con la droga se iniciaron en la Factory. Textualmente comenta:"Me gustó mi introducción a la droga. Yo era muy buen blanco, me convertí en una joven y saludable adicta". Dylan, de la misma manera cree (o creía) en esto; Warhol se ponía paranoico cada vez que alguien le traía a colación el cuento de que el ídolo del folk-rock lo despreciaba y que había cambiado por un sofá el Elvis plateado que él le regaló cuando el músico hizo su screen test o bien, el rumor de que usaba la obra como tablero de dardos, además de tener que soportar el run run de que él era la fuente de inspiración de Like a Rolling Stone.
Fuera de la Factory, Edie no obtuvo muchas propuestas laborales; una portada en Vogue (marzo de 1966) y no más. Como actriz tampoco consiguió algo, audicionó para The Deer Park, pero el autor Norman Mailer la consideró poco apropiada para el papel, ya que no podía zafarse del que llevaba a cabo en su propia vida. 
Finalmente, el 16 de noviembre de 1971 se extinguió la vida de la Sedgwick, Michael Post, con quien contrajo matrimonio en julio de ese mismo año, no pudo despertarla esa mañana, ella murió a las 7:30 y la causa del deceso fue registrada como suicidio involuntario por sobredodis de barbitúricos.

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jueves, 7 de junio de 2012

Mi pequeño homenaje a Bradbury

"Hay peores cosas que quemar libros, una de ellas es no leerlos."
Ray Bradbury (22 de agosto de 1920- 5 de junio 2012)

Pienso en Bradbury, un hombre que escribía para no estar muerto, y que en uno de sus tantos intentos por mantenerse con vida nos planteó un futuro posible con Fahrenheit 451, pero lo peor, pienso, no esta por venir, lo peor está en el presente; no tiene que existir un poder totalitario que queme libros con la misma saña que brujas en una edad oscura, hoy, retomando sus palabras, lo peor es que nosotros mismos nos prohibamos la lectura.
Em este mes, para que la memoria del autor permanezca, leeré De las cenizas volverás y Bradbury permanecerá aun después de que al papel de sus libros se le exponga a la temperatura en que se enciende y arde.

La imaginación de este escritor sobrevive incluso a la baja calidad del papel pipsa, se lee bien hasta en cómic ¿no?

viernes, 18 de mayo de 2012

Nettingpoint es para nosotros


Ya en otras ocasiones había tratado el tema de la necesidad de una participación más activa en los temas de nuestro interés, sin embargo pudiera resultar a primera vista una tarea titánica o quijotesca el tratar de influir sobre el rumbo de las decisiones en torno a políticas culturales, ambientales y tantas otras que nos pueden concernir; sobre todo, lo primero que objetamos ante la pretensión de ponernos en marcha como gestores de un cambio es la apabullante idea de no contar con un medio adecuado para hacernos oír; en segundo lugar, podría ser el factor tiempo el que nos haga desistir, pues pareciera que a nuestra complicada existencia le faltan horas para resolver todo lo que tenemos que hacer en el día, sin embargo, se ha hecho más que patente la efectividad de los medios electrónicos de comunicación para fomentar el tan indispensable activismo social, claro, ustedes dirán, algunos de ellos, no digo nombres, pero muchos conocen esta CARA de la moneda, terminan siendo una trampa que nos roba minutos valiosos enganchándonos en un bla, bla, bla insustancial, por eso debemos elegir bien las redes a las que ingresamos, ¿qué tan eficaces son su mecanismos o que tan bien se adaptan a nuestros intereses?

 Ayer, a través de mailcultural conocí la propuesta de Nettingpoint; hoy me siento entusiasmada por lo que nos ofrece en términos de hacer realidad nuestros deseos de intervención en distintos ámbitos. Escuchen lo que esta red tiene para nosotros

jueves, 17 de mayo de 2012

Día Internacional de los Museos 2012



Mañana se celebra el Día Internacional de los Museos (DIM 2012). En esta fecha, como en los días adyacentes, se llevan a cabo alrededor del orbe actividades planeadas a partir del tema: “Museos en un mundo cambiante. Nuevos retos, nuevas inspiraciones”, teniendo en consideración que en la actualidad el mundo se transforma más rápido que nunca debido a la tecnologías que hacen posible la retrasmisión de información e ideas en un contexto global. Este 2012, el DIM reconoce que las instituciones museísticas deben adoptar una conducta interpretativa y moverse en un medio cada vez más fluido para alcanzar el objetivo de atraer a visitantes heterogéneos y, asimismo, compartir intereses diversos por medio de sus redes culturales. Es la necesidad de prosperidad, la que une a todas las instancias implicadas, grandes o pequeñas, en esta labor de divulgación. Pero la propuesta de este año no se concentra únicamente en el crecimiento aislado de los museos ni en la gestión exclusiva por parte de sus agentes, sino que holísticamente visualiza la construcción de su futuro afrontando problemáticas tales como el cambio climático y busca apoyarse en el poder de convocatoria de las redes sociales y otros medios de comunicación electrónica.

miércoles, 16 de mayo de 2012

La muerte de Carlos Fuentes

Permanezco con los ojos cerrados. Las voces más cercanas no se escuchan. Si abro los ojos, ¿podré escucharlas?...

Carlos Fuentes murió hoy en el Hospital Ángeles del Pedregal a los 83 años. Para mí, como para muchos, tres son sus obras fundamentales y bastarían para darle el lugar que hoy ocupa en la literatura nacional y universal: La región más transparente, La muerte de Artemio Cruz y Aura, obras de su etapa temprana —de 1958 es la primera de las citadas; y de 1962, las otras dos— en las que se establece como obsesión temática la búsqueda de la identidad mexicana mientras se exploran técnicas narrativas en las que irrumpe el pasado en el presente (pasado vivo y presente pasmado o roto); el mito fundacional del Valle de México, la reactualización de vivencias, o la evocación tras los muros de una casona son los anclajes en ese estar aquí y a la vez en un tiempo lejano. Además de estas obras resultan interesantes Las buenas conciencias y Zona sagrada, en la que el protagonista, Guillermo, por su incapacidad de enfrentar el presente, entabla un diálogo con su propio pasado; esta novela alcanza en momentos un tono poético, sin embargo en ciertas descripciones de las ciudades de México y de Jalisco se empieza a ver rasgos que en obras posteriores resultan hasta fastidiosos. Terra Nostra, loada por la crítica, me parece atrayente en cuanto a su propuesta metaficcional, pero la ambición de este autor por mostrarse como un hombre de conocimiento enciclopédico termina por abrumar a un buen número de lectores que tal vez hubiesen preferido un ensayo. 
Como ya había señalado en mis impresiones sobre Instinto de Inez, en la obra de Fuentes existe una intertextualidad restringida. En la ocasión mencionada comparé elementos de dicha novela con análogos presentes en Aura; ahora, también podría señalar el aspecto del lenguaje existente en Cambio de piel, Javier, al igual que Inés Rosenzweig, a través de un lenguaje prístino retiene la memoria. Creo que hay muchas formas y discursos que se repiten en la obra del renombrado escritor, ahora mismo recuerdo el asunto del significado de la “chingada” (abrevando de Paz) que se presenta circunstancialmente tanto en La muerte de Artemio Cruz como en Cambio de Piel
Siendo políticamente incorrecta, creo que en cierto punto la producción de Fuentes se encamina a cumplir con un contrato editorial, eso sí, imprimiendo en esta tarea una fuerte dosis de disciplina, e, igualmente, se empeña en hacer ostensible su conocimiento. Su fama internacional y su perfil televisivo le fomentan un exhibicionismo con el que se afirma en su condición de hombre universal, mientras que su palabra se convierte en cita de autoridad. En México, tuvo un público cautivo que escuchó su palabra como ley, si bien muchas personas por estas tierras nunca han leído un solo libro de él. 
El año pasado salió a la venta su ensayo La gran novela latinoamericana, bajo el sello de Alfaguara, cuyas elecciones y omisiones demuestran que este es un trabajo hecho con las vísceras que saca a la luz más sus filias y fobias que a los verdaderos grandes de la novela de nuestra geografía.
Tal vez sus elecciones literarias me dejaron con cierto mal sabor de boca, pero en algo que estoy rotundamente de acuerdo con él es sobre los candidatos y nuestro futuro electoral: No hay uno al que yo le dé mi voto y lo lamento porque siento que es la última oportunidad política que tiene México.
Deja inconcluso un libro sobre gente que marco su vida, Personas. Supongo que no habrá ningún político mexicano referido aquí, pero quién sabe.

miércoles, 25 de abril de 2012

El duelo de Sant Jordi: La sombra de Drácula contra los espectros de Dickens



El pasado 20 de abril se cumplió el centenario del fallecimiento de Bram Stoker, escritor irlandés nacido el 8 de noviembre de 1847 en la ciudad de Dublín, quien alcanzó renombre mundial con su sexta obra de ficción en la que creó a uno de los personajes paradigmáticos de la literatura de horror. Por ello, como parte de la celebración del Día Internacional del Libro, en México, la FIL Guadalajara y el Ayuntamiento del Estado de Jalisco organizaron la maratón de lectura de Drácula en la llamada Rambla Cataluña de la “Perla tapatía” (Juárez y Escorza) y en más de cien sedes espejo entre locales y de otros estados de la república, iniciando el primer capítulo con la súper zombi participación de Antonio Ortuño.
En sus diez anteriores ediciones, el festejo sumó las voces de lectores en Aguascalientes, Chihuahua, Colima, Ciudad de México, Guanajuato, Puebla, Querétaro, San Luis Potosí, Tamaulipas y Zacatecas. Sin embargo, este año, en la capital aguascalentense, igual que en el DF, la lectura de Sant Jordi se brindó en honor a Charles Dickens por los doscientos años de su natalicio, lo que generó mi displicencia, ya que yo había votado por el dublinés en la convocatoria que muy en su momento Marta Ibarra, coordinadora general de eventos de la FIL, puso a circular. Y no es que no se deba elogiar el gran talento de Dickens para estructurar sus obras en un vaivén de emociones que bien ha sabido aprovechar la BBC para la realización de series, sino porque yo siento cierto resabio por el patético moralismo del corpus dickensoniano que gustaba tanto a las monjas del cole, ya que lo juzgaban muy bueno para nuestra educación espiritual.
De cualquier forma, aprovecho mi espacio para realizar otro tipo de lectura —just a glimpse in search of Dracula’s core—, más ad hoc al post. Lo que trato de poner en el microscopio es el Bacilo de Stoker, para reiterar el cómo es que éste, desde hace 115 años, nos inocula fuertes dosis de horror.
Sin lugar a dudas, Drácula es un libro tan insalvable que ha hecho palidecer hasta a la propia escritura de su creador. La madre de Stoker, escritora diletante, dijo todo con estas palabras: Ningún libro desde Frankenstein de la señora Shelley, y de hecho ningún otro aparte del mencionado, se le ha acercado al tuyo en originalidad, o terror(1). Pero es necesario identificar varias influencias vitales para la creación de esta obra, ¿a caso sus lectores podríamos soslayar el relato del también irlandés Sheridan Le Fanu, Carmilla
Carmilla, escena del funeral, grabado en metal de Michael  Fitzgerald  
Pero, más allá de lo literario, textos de distinta índole sirven también de fundamento. En la entrevista “Mr.Bram Stoker. A Chat with the Author of Dracula” realizada por Jane Stoddard para el British Weekly, el escritor declara que:
  […] el conocimiento de las supersticiones de vampiros que aparecen en "Drácula" fue recogida de una gran cantidad de lecturas diversas. […] Ningún libro que yo sepa puede ofrecer todos los hechos. He aprendido mucho de E. Gerard 'Ensayos sobre supersticiones rumana', que apareció por primera vez en El siglo XIX, y fueron publicados posteriormente en un par de volúmenes. También aprendí algo del Sr. Baring-Gould sobre ‘hombres lobos’. El señor Gould ha prometido un libro sobre vampiros, pero no sé si ha hecho algún progreso en esta labor. "
En la misma entrevista, Stoddard inquiere sobre el origen de la leyenda vampírica, sobre ella Stoker comenta:
"Se apoyaba, me imagino, en algún caso como el que sigue. Una persona pudo haber caído en un trance semejante a la muerte y fue enterrado antes de la hora. Después, el cuerpo pudo haber sido desenterrado y encontrado con vida, y, a partir de ello, el horror se apoderó de la gente, y en su ignorancia se imaginaron que se trataba de un vampiro. Cuanto más histéricos, por exceso de miedo, podrían caer en trances de la misma manera, y así creció la historia de que un vampiro puede esclavizar a muchos otros y hacerlos sus semejantes.
[…] En ciertas partes de Estiria [la creencia] ha sobrevivido más tiempo y con mayor intensidad, pero la leyenda es común a muchos países; China, Islandia, Alemania, Sajonia, Turquía, el Quersoneso, Rusia, Polonia, Italia, Francia, e Inglaterra, además de todas las comunidades tártaras”(2).
Ciertamente, otras características asumidas por la literatura sobre vampiros se arraigan a través de la obra del antes citado Le Fanu, por ejemplo, la idea de que un suicida, bajo ciertas circunstancias, se convierte en vampiro o, del mismo modo, aquellos a quienes se les presenta un espíritu durante su sueño que les va socavando su voluntad, ideas, a su vez, arrancadas directamente de leyendas balcánicas.
Sin embargo, ¿cómo es que se construye la figura vampírica tal como una criatura que no existía en esas tierras? El ser extraordinario capaz de hipnotizar a un humano y beberle su sangre hasta dejarlo seco era identificado en tiempos remotos como una especie de lobo o bien como un ser volador nominado Deag-Duc o Lleanh aum-shee en Irlanda; Eretica o Vlokostak en Rusia; Gierach en Prusia; Ustrel en Bulgaria; Dhamphir en Servia y Muroni en Valaquia; siendo conocido también en el folclor rumano como strigoii; ente que sale de las tumbas en forma de insecto, pequeño mamífero o partículas de luz y que es el séptimo hijo de una sacerdotisa moraica o el séptimo hijo de un séptimo hijo. La cuestión es que a este ser fenomenal no se le comienza a llamar vampiro sino hasta principios del siglo XVIII cuando la figura mitológica que prevalece en Transilvania se le describe guardando parecido con la especie del marsupial volador americano desmodus rotundus, el cual se asemeja a un dios de los mongoles tibetanos que pudo ser adoptado por los pueblos asiáticos magiares y székelis que migraron a Rumania en grandes cantidades.
La vivida imaginación de dichos pueblos dio aliento a las historias de estos seres extraordinarios, las cuales se mezclaron con otras acerca de personajes reales conocidos por su carácter sanguinario. Así, los rumores relacionados con la oscura personalidad de Erzsébet Báthory se traslucen en la creación de Carmilla; y los referentes al príncipe Vlad Draculea el "Empalador", en el personaje del conde Drácula.
Xilografía coloreada aparecida en los panfletos publicados por  Ambrosius  Huber, circa 1499  en Nuremberg
La mezcla del horror producido por el recuento de las acciones en las que la impiedad del príncipe de Valaquia concluía en una verdadera orgía de sangre y el terror motivado por sucesos raros y desafortunados que terminaban siendo imputados a seres sobrenaturales se convirtieron en la fórmula con la que Stoker logró crear un ambiente en el que su lector pasa de la excitación producida por un acto violento a la ansiedad psicológica causada por la presencia de aquello que no puede prefigurar ni predecir debido a su carácter innatural y sin fundamento. La cualidad de Drácula es que aun cuando envuelve el acto sangriento (es gory; es la esencia del gore) sobrepasa el pavor gráfico gracias a la extensión de una crisis que genera una pesadilla profusa en simbolismos.
Erzsébet Báthory por Istvan Csok, óleo, 1893   
Para dotar de más complejidad a la novela, Stoker decidió construir su narración con base en entradas del diario de Jonathan Harker y cartas personales a las que se les trasponen cartas comerciales y notas de periódicos, así como las grabaciones fonográficas del doctor Seward, rompiendo con el canon de su época cuando anula al narrador omnisciente y favorece una narración polifónica; no hay un punto de vista sino una multiplicidad de ideas emanadas de mentes distintas que subraya el desconcierto general. El que uno se mantenga línea tras línea en la lectura de esta lenta novela, no es tanto por la aparición del siniestro Drácula, sino por la constante sombra de éste; su presencia es escasa, su eco es prolongado.
Ocho días antes de la publicación de Drácula, con las pruebas de galera en mano, Stoker montó una versión teatral conformada por un prólogo y cuarenta y siete escenas comprendidas en cinco actos, anunciándose como Drácula o el no muerto (Dracula or the un-dead). Si bien en las tablas inició la leyenda de este celebérrima obra, ha sido la industria del cine la que desde el siglo XX encontró en su trama una veta que ha sobreexplotado. De forma desafortunada, muchas adaptaciones o reformulaciones del texto se han centrado en una violencia explícita que mata el terror o vulgarmente tergiversan  el trasfondo que conecta con el deseo, las carencias y las patologías que anidan en el alma, llegando, incluso, a conformar un repertorio de lo kitsch; en cambio, pocas son las que han aportando un particular punto de vista, como si un nuevo personaje se sumara a las voces existentes, como sería el caso de Nosferatu, en sus dos versiones; la de 1922 de Wilhelm Murnau (Symphonie des Grauens) con Max Schreck en el papel protagónico y la de Werner Herzog (Phantom der Nacht), homenaje a Murnau,  con la actuación de Klaus Kinski, ambas, mis favoritas, junto con otra en tono satírico: Le Bal des Vampires de Roman Polanski, pero esto ya da un tema que venga después a formar parte de "Celuloide cereza".
La proximidad de la celebración del libro y de la rosa me dio la oportunidad de releer una obra a la cual me acerqué por primera vez en mi adolescencia buscando el sobresalto; lecturas posteriores me han dejado un plus, el gusto de encontrar aspectos interesantes en el oficio de un escritor que se arriesgó a realizar experimentos tanto conceptuales como formales, tomando ventaja de la lentitud narrativa, morosidad que suele sabotear la contundencia, para jugar con los demonios personales del lector. 

(1) Carta a Bram Stoker, cit.pos., Raymond T. Mc Nally y Radu Florescu en In search of Dracula, Estados Unidos, Houghton Mifflin Company, p.222 (bibliografía anotada), 1994
(2) Lorna [Jane Stoddard], British Weekly, 1 de julio de 1897, cit.pos. Dracula, Glennis Byron (ed.), pp. 484-488.
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